STATEMENT
Text EN/IT
Always attracted to the world of the invisible, magic and the absurdities of everyday life, La Licata investigates the thin line that separates the rational from the illogical, the gap between wisdom and madness.
La Licata's practice is interdisciplinary and includes photography, paintings, sculpture and video works. Through these media, the artist subverts order with subtle gestures and incorporates errors and oddities into reality through irony, revealing the conditions in which order is undermined. Characterized by a constant performative component, the artistic experience is filtered through forms of self-portraiture. The artist's body is always the missing and elusive protagonist, quoted, filmed, and operated like a device.
The work evokes the importance and cyclical nature of falling and failing in artistic practice. It is in the condition of loss that the artist finds himself. Facing this uncertainty contains the certainty of risk. Suspended between surreal and real dimensions, the artist acts as a passenger traversing the ambiguity of knowledge, destabilising his own role and function. By mirroring the social and human relationships, along with all the craziness, sorrow, nostalgia and irony, La Licata goes beyond simple self-referentiality traversing visual relationships to transform them into new openings.
Da sempre attratto dal mondo dell'invisibile, della magia e delle assurdità della vita quotidiana, La Licata indaga la linea sottile che separa il razionale dall'illogico, il divario tra saggezza e follia.
La pratica di La Licata è interdisciplinare e comprende fotografia, pittura, scultura e opere video. Attraverso questi media, l'artista sovverte l'ordine con gesti sottili e incorpora errori e stranezze nella realtà attraverso l'ironia, rivelando le condizioni in cui l'ordine è minato. Caratterizzata da una costante componente performativa, l'esperienza artistica è filtrata da forme di autoritratto. Il corpo dell'artista è sempre il protagonista mancante e sfuggente, citato, filmato e azionato come un dispositivo.
L'opera evoca l'importanza e la natura ciclica della caduta e del fallimento nella pratica artistica. È nella condizione di perdita che l'artista si trova. Affrontare questa incertezza contiene la certezza del rischio. Sospeso tra dimensione surreale e reale, l'artista agisce come un passeggero che attraversa l'ambiguità della conoscenza, destabilizzando il proprio ruolo e la propria funzione. Facendo da specchio alle relazioni sociali e umane, con tutta la follia, il dolore, la nostalgia e l'ironia, La Licata va oltre la semplice autoreferenzialità attraversando le relazioni visive per trasformarle in nuove aperture.
SHOØT
Curated by Alessandro Pinto
Atelier Am Eck, Duesseldorf, DE, 2019
Text EN/IT
«Don’t you think that they’d believe that the things they were giving names
to were the things they could see passing?»
Plato, Republic, Book 7
Driven by a restless motion along the borders of art, Adriano La Licata's compositions are always distinguished by a performative element. Using various media such as photography, painting, video and collage, he produces a work of art that goes beyond the limits of the respective media. His own body is always the hidden and elusive protagonist of his work: he quotes it, records it and uses it like a device. Like the shadow of Banquo in Macbeth: present but intangible. Just as Plato’s parable of the cave, La Licata forms the shadow from which the real world dissembles, which is alive but distant. Photography could be the means by which to grasp and immortalize his elusive body, yet the palermitan artist prefers to portray himself indirectly, hidden or embedded in the surrounding context of the image. It is like a small, almost imperceptible spot, a point of convergence of the viewer’s gaze, which is forced to focus on the image and to give it a new meaning. In painting he shows his expressive self. But here as well, La Licata is hiding himself behind his arm and throws rubber bands dunked into color that determine the shapes on the canvas. Painting is elaborated using a technique which rather reminds of photography. Elastic motions are converted into quick snapshots. Painting is more visible in the ticket installation, Campiture, although nothing is painted. The artist from Palermo displays his personal travel tickets that he has collected over 10 years. They are presented in chronological order, from the oldest to the latest. The result is a large collage of geometric colored spaces, each color resembling a journey through time and the tickets acting as time machines. In the video work, a deeply personal and extremely lyrical artwork, his body appears again as a shadow onto which falls the soft and horizontal light of the setting sun. His silhouette is part of the room, his body only lives in contrast to the light, but it is a weak light that cannot contrast the darkness and is inexorably defeated by it. As soon as the light is gone, every shape, contour and small movement fades away.
«non pensi che essi chiamerebbero oggetti reali le ombre che vedono?»
Platone, Repubblica, libro VII
Un irrequieto movimento lungo i confini dell’arte caratterizza e influenza le opere di Adriano La Licata che si distinguono per la costante componente performativa. Usando diversi media come fotografia, pittura, video, collage, realizza opere che superano il confine del medium di appartenenza. Il suo corpo, citato, ripreso, azionato come un device, ne è sempre il protagonista mancante e inafferrabile. Come l’ombra di Banquo in Macbeth, presente, ma intangibile. Come nel mito della caverna di Platone, La Licata è l’ombra dietro cui si cela il mondo reale, anch’esso vivo, ma lontano. La fotografia potrebbe essere il mezzo con cui afferrare e immortalare il corpo sfuggente di La Licata, ma l’artista palermitano lo usa per ritrarre se stesso nascosto o assorbito nel contesto ripreso, una macchia piccola, quasi impercettibile, un punto di convergenza dello sguardo del fruitore, che così è costretto a reiterare lo sguardo sull’immagine e darne un nuovo significato. Nella pittura potrebbe rivelarsi il suo io espressivo, ma anche qui La Licata si nasconde dietro l’atto del suo braccio, lanciando degli elastici intrisi di colore che determinano le forme sulla tela. La pittura viene tematizzata in una tecnica che ricorda di più la fotografia, che trasforma i lanci di elastici in veloci scatti fotografici. E’ più presente la pittura nell’installazione Campiture, sebbene di pittorico non vi sia nulla. L’artista palermitano espone i biglietti personali che ha utilizzato da più di 10 anni fino a oggi. Li presenta in ordine cronologico, dal più lontano nel tempo al più recente. Il risultato è un grande collage composto da campiture geometriche di colore, in cui ogni colore è un viaggio nel tempo, e i biglietti una macchina per viaggiare in esso. Nel video, un’opera personale ed estremamente lirica, riappare il suo corpo come ombra su cui si proietta la luce calante, tenue e orizzontale del tramonto. La sua sagoma è parte dello spazio, il suo corpo vivo solo nel contrasto con la luce, ma è una luce debole, che non riesce a contrastare il buio, e da questa viene inesorabilmente sconfitta. Passata la luce ogni forma, ogni contorno e ogni piccolo movimento scompare.
Soglia Bandita
Curated by Rosa Cascone
OltreOreto, rassegna d’arte
e di rigenerazione urbana
Palermo, IT, 2018
Text EN/IT
Soglia Bandita fully investigates the controversy by setting and confusing imposed boundaries. The artist’s body becomes object amongst the objects and also a part of the landscape, providing harmony between the shore’s detritus, abandoned things and his actual presence on the ground. Adriano La Licata lets himself lay down without entering the occupied space but completing it with his presence, erasing strict concepts such as the creation of art, the artist, artifice and nature. The room is locked and it goes by as a illuminated window which faces the street it is located in, while transforming itself it melts and invades the outer space as well. Objects themselves are the result of a melting process of metals wrought by Fonderia Sarro, a Palermitan working foundry with which the artist got in touch and collaborated on the creation of 5 sculptures made out of aluminum and zama, an alloy of zinc. The threshold stays the physical boundary not to cross while it’s conceptually open enough to take a look inside, in- stalling a mutual symbiosis between in and out. On the inside of the room, all the participating realities transform, transcending their usual limit and condition: those objects we are used to use and see in a certain way on a daily basis, now remodel their substance and become made of the same matter of the shore’s rubbish in order to get as outlawed as it is.
Soglia Bandita esplora al massimo la contraddizione ponendo e confondendo i limiti imposti. Il corpo dell’artista diventa oggetto tra gli oggetti e parte del paesaggio creando assonanza tra i detriti della spiaggia, gli oggetti abbandonati e la sua presenza sul posto. Adriano La Licata lascia che lui stesso si adagi e non invada lo spazio occupato, ma lo completi con la sua presenza eliminando il concetto di creazione dell’arte, di artista, artificio e natura. La stanza si presenta chiusa, illuminata di fronte allo scorrere della strada su cui si poggia, passa da uno stato all’altro, anche essa si scioglie ed invade lo spazio. Gli oggetti stessi sono frutto di un intervento di fusione di metalli, realizzato con la Fonderia Sarro, fonderia attiva nel capoluogo siciliano con cui l’artista si è relazionato e ha collaborato per la creazione di 5 sculture in alluminio e zama. La soglia rimane il limite fisico da non superare ma è concettualmente aperta per guardarci dentro creando una simbiosi reciproca tra il dentro e il fuori. Al suo interno tutte le realtà presenti si trasformano superando il loro limite abituale: oggetti che nel quotidiano siamo abituati ad usare e a percepire in un determinato modo, qui cambiano consistenza e sono fatti della stessa materia dei rifiuti e le macerie sulla spiaggia per appartenere così alla medesima realtà bandita.
Entre Dos Aguas
Adriano La Licata and Domenico Palmeri
Curated by DOM art space
DOM art space
Palermo, IT, 2018
Text EN/IT
Entre Dos Aguas is the Adriano La Licata and Domenico Palmeri’s dual exhibition. Both two artists open the expo season of DOM art space, the new space dedicated to contemporary art in the Sicilian capital.
La Licata and Palmeri meditate about the concept of observation as a way to communicate the first and essential mutation of the space and of the shape of the inner self. There’s no limit of in/out. The semiotics threshold becomes a symbiotic game, in which the observant and the observed find themselves in a mystical communion. The extension reveals an altered knowledge, a reinterpretation of unknown objects, a physical manifestation which takes off the cultural meaning, opening to a new and personal ritual extension.
Entre Dos Aguas è la personale in doppio degli artisti Adriano La Licata e Domenico Palmeri. I due artisti aprono la stagione espositiva del nuovo spazio di arte contemporanea, del capoluogo siciliano, DOM art space.
La Licata e Palmeri si ritrovano a meditare intorno al concetto di osservazione come mezzo per la prima ed essenziale mutazione dello spazio e della forma del sé. Si perde il limite del dentro/fuori. La soglia semiotica si assottiglia in un gioco simbiotico in cui osservatore e osservato si scoprono in una comunione mistica. Estensione come conoscenza alterata, reinterpretazione di oggetti conosciuti, manifestazioni corporee che si spogliano del proprio significato culturale aprendosi ad un’ estensione rituale del tutto nuova e personale.
Mimmisota / ALL or the return of the body
Luca Cinquemani
Hey you! That throw these rubber bands to me, you, who play with me, graceful and casual, in the sublime and ephemeral risk of art. You who know how little will remain of all this and of us now that the end of the story is already in the past and we can do very little. You who remind me that the body, despite everything, remains here, the last and only witness that I can oppose, naked and proud, to all the evidences that every day remind me, painfully, of my deaf spectrality. And it is on this body, on this skin that I still have, that I ask you to leave a mark, a random trace, which you will call as you like, mixing your name with distant countries, where perhaps one day we will go back to play.
Mimmisota / ALL o il ritorno del corpo
Luca Cinquemani
Tu che lanci insieme a me questi elastici, tu che giochi con me, leggiadro e disinvolto, nel rischio sublime ed effimero dell’arte. Tu che sai quanto poco rimarrà di tutto questo e di noi ora che la fine della storia è già nel passato e noi possiamo davvero poco. Tu che mi ricordi che il corpo, malgrado tutto, rimane qui, ultimo e solo testimone che posso opporre, nudo e fiero, a tutte le evidenze che ogni giorno mi ricordano, dolorosamente, la mia sorda spettralità. Ed è su questo corpo, su questa pelle che ancora possiedo, che io ti chiedo di lasciare un segno, una traccia casuale, che tu chiamerai come ti pare, mescolando il tuo nome a paesi lontani, dove forse un giorno torneremo a giocare.
In My Defence,
I was Restless
Curated by Giulia Colletti
Project Space 1,
The Art School, 20 Scott St, Glasgow, U.K. 2017
Text EN
In My Defence, I was Restless is the first UK solo exhibition by artist Adriano La Licata (1989, Italy). Conceived as a Bildungsroman, the exhibition focuses on mobility as an essential condition of his artistic process. In My Defence, I was Restless moves from three main considerations, which arise from La Licata’s latest research: vulnerability, loss of identity, and irony. Drawing relation beyond locations, while spotting an inescapable need of subverting daily-life platitudes, Adriano La Licata incorporates mistakes and oddities into reality. In My Defence, I Was Restless feeds into contemporary debate about strengths and weaknesses of cultural mobility, disclosing an intimate uprising against the modern acceleration.
In an era marked by a restless tendency, being local does not fit either the idea of belonging to a place or coming from it. It rather deals with restrictions, rituals, and relationships. It means having an enhanced awareness of displacement. As Michel Foucault claims, “we are in the epoch of simultaneity: we are in the epoch of juxtaposition, the epoch of the near and far, of the side-by-side, of the dispersed.” Our experience of the world resides on perceiving while we are moving, dismantling the conceit of being based in. The exhibition In My Defence, I Was Restless, attempts to investigate this notion of mobility and relocation behind La Licata’s artworks, to explore the lack of belongingness and the idea of collecting to track existence. Beyond the notion of locality, it addresses artist’s resilience in adopting creativity to cope with uncertainty. Being local means not only approaching a new ethos, but also facing mechanism of precariousness due to incessant relocation.
In My Defence, I was Restless discloses an enhanced status of being local, where artworks inhabit the third dimension of ‘in-between’. Observer and observed finally establish a new interaction.
From the Palms of My Hands
Curated by George Korsmit
Text by Jack Segbars
CLUB SOLO
Breda, NL, 2016
Text EN
The Western conceptual space of thinking, its general mode of constructing its cosmology, is still deeply rational, stemming from that pivotal historic time of the Enlightenment. Along with the Enlightenment came an epistemological mode of being in the world that led to a dualism of being defined by the division of the experiential and the rational. Formerly more unified, they are now our differentiated modes of encounter with the world. It is in this space of contestation that artists have found their focal point of work. Adriano La Licata is one of these exemplary artists who try to bridge this gap in our existence, or who at least stamp on that bridge to test its sturdiness. And even if it were to break, it would be to the enjoyment of the artist, who would happily see it succumb under his footsteps. To confront this uncertainty contains the certainty of risk. La Licata is looking for a different kind of enlightenment.
In quantum mechanics the state of superposition entails the state of things being positive and negative at the same time, of encompassing both possibilities simultaneously. Only at the moment of detection is one of the choices made. This miraculous effect will enable future computing based on this property to be exponentially faster than ordinary computers. It resonates with La Licata’s way of looking at things. If potential is not limited to a sequential and causal process but can spread out exponentially, then this is a space that can generate a myriad of outcomes. This is how a photograph that has captured two times on one surface is possible and makes sense. The artist acts as the passenger traversing uncertainty of knowing, by destabilizing its own role and function. Thus he traverses known relations in order to turn these into new openings.
ALL
Curated by Francesco De Grandi and VHS
Text by Francesco De Grandi
Von Holden Studio
Palermo, IT, 2015
Text EN/IT
"Fools had ne'er less wit in a year;
For wise men are grown foppish,
They know not how their wits to wear,
Their manners are so apish."
William Shakespeare, Re Lear.
Adriano La Licata amuses his audience in order to unmask the reality behind the appearance or the madness within the wisdom. He makes use of the ironic form in its original function, which is to subvert the order and reveal the deceptions. At the same time he finds a personal, intimate and genuine way to deal with absolute subjects: the relationship with the sacred, with the ritual and the consciousness of the self. He confronts these aspects, examines them with small gestures, fragile displacements of sense, identifying domestic synchronicities. He is convinced that everything is connected, all is One and therefore, wherever he places his gaze on, he will find answer to his questions. Meditations on broomsticks, devices that find love after years of celibacy, because tools that can no longer clean the floor are not useless. they clean themselves, they meditate and masturbate, they lose their function and, with an ironic syllogism, with a calming smile on their lips, a gesture that is the characteristic style of Adriano's work, they become three Yogis in the lotus posture with bursting erections.
The artist seeks an anarchist, autobiographical, ironic, tragicomic but never desecrating sacredness. He tells us how he's going through the world, his meditation practice, his travel and rites linked to his personal experience of consciousness. La Licata introduces us to a very intense work, almost a Psychomagic act. So a DIA slide taken from the family drawer triggers a series of connections between itself and the way in which mechanically it is reproduced and revealed to our eyes, between the represented subject and the surface on which it is projected. The artist becomes the shoulder of his mother, he takes care of himself, to be father and to stop being son, but to be able sharpen and therefore find himself, he must play with his shadow, he must accept the ambivalence of the human soul. Naked, in the cold, warmed only by the light of the projector (the warmth of the womb) he will have to survive in the night. A self-inflicted rite of initiation, the little Adriano looks outside the image with consciousness, looks at himself in a cyclic time which is rejoining itself.
Adriano does not always succeed in his intent, sometimes rites of passage fail miserably. There is a Corner that he still can not overtake, he bumps against it, over and over every year. Adriano goes always back to it, every winter, every summer, every new season, each cycle of life he turns the corner, he finds a wall and slams against it, it hurts, then he smiles, composes himself and starts again. So he decides to make a monument to this almost paranoid gesture, this constant return to the same place. He decides to humanize it until he thinks that a corner is a friend to visit. We do not know if the imprint on this seemingly solid (but actually fragile) wall is the sign of the impact of Adriano, like Wile Coyote, or if it is an attempt to humanize a wall, or even a metaphorical self-portrait. Or perhaps the three together.
It remains this strange sense of a light and sweet work, so pure it can reach the innocence, but intense and sincere at the same time.
“Non ebbero già mai scarogna
Quanto quest'anno – i matti -,
Ché i savi si son fatti
Sciocchi balocchi per loro danno:
Non sapendo più che si fare
Degli scarsi loro cervelli
Si illudono di farsi belli
Mettendosi a scimmieggiare"
William Shakespeare, Re Lear
Adriano La Licata diverte per smascherare la realtà nascosta dietro l'apparenza o la vera follia insita nella saggezza. Trova nella forma ironica la sua funzione originaria, quella di avere il compito di sovvertire l'ordine e di rivelare gli inganni. Nello stesso tempo trova una strada personale, intima e genuina per affrontare temi assoluti: il rapporto col sacro, col rito e la conoscenza di se. Li affronta, li esamina con piccoli gesti, spostamenti di senso fragili, individuando sincronicità domestiche. Egli è convinto che ogni cosa è collegata, che tutto è Uno e che quindi ovunque si posi il suo sguardo troverà risposta alle sue domande. Meditazioni su manici di scopa, dispositivi che dopo anni di celibato trovano l'amore, perché i suoi attrezzi che non possono più pulire il pavimento non sono inutili, puliscono se stessi, meditano e si masturbano, perdono la loro funzione e con un sillogismo ironico, con un sorriso pacificante sulle labbra, con un gesto che è la cifra caratteristica del lavoro di Adriano, diventano tre Yogi in posizione del loto con delle prorompenti erezioni.
L'artista ricerca una sacralità anarchica, autobiografica, ironica, tragicomica ma mai dissacrante. Ci parla di come sta attraversando il mondo, della sua pratica meditativa, del viaggio e dei riti connessi alla sua personale esperienza della conoscenza. La Licata ci pone di fronte un lavoro molto intenso, quasi un atto Psicomagico. Così una diapositiva presa dal cassetto di famiglia innesca una serie di connessioni tra se stessa e il modo con cui meccanicamente si riproduce e si rivela ai nostri occhi, tra il soggetto rappresentato e la superficie su cui si proietta. L'artista diventa la spalla della madre, si prende cura di se stesso per essere padre e smettere di essere figlio, ma per riuscire a mettersi a fuoco e quindi trovarsi deve giocare con la sua ombra, deve accettare l'ambivalenza dell'animo umano. Nudo, al freddo, scaldato soltanto dalla luce del proiettore (il calore del seno materno) dovrà sopravvivere alla notte. Un rito di iniziazione auto-inflitto, il piccolo Adriano guarda con piglio consapevole al di fuori dell'immagine, guarda se stesso in un tempo ciclico che si ricongiunge.
Non sempre Adriano riesce nel suo intento, a volte i rituali di passaggio falliscono miseramente. C'è un Corner che ancora non riesce a superare, ci sbatte e ci risbatte ogni anno. Adriano vi ritorna sempre, ogni inverno, ogni estate, ogni nuova stagione, ogni ciclo della vita gira l'angolo, trova un muro e ci sbatte, si fa male, sorride, si ricompone e ricomincia. Allora decide di fare un monumento a questo gesto quasi paranoico, di ritornare sempre in un luogo, umanizzarlo al punto da pensare che un angolo di muro sia un amico da andare a trovare. Non sappiamo se l'impronta su questo muro apparentemente solido ma in realtà fragilissimo è il segno dell'impatto di Adriano come Willy il coyote, o il tentativo di umanizzazione di un muro, oppure un autoritratto metaforico. O magari tutti e tre:
Rimane questo senso strano, di un lavoro leggero, soave, così puro da sfiorare l'ingenuità, ma al tempo stesso profondo e vero.
STATEMENT
Text EN/IT
Always attracted to the world of the invisible, magic and the absurdities of everyday life, La Licata investigates the thin line that separates the rational from the illogical, the gap between wisdom and madness.
La Licata's practice is interdisciplinary and includes photography, paintings, sculpture and video works. Through these media, the artist subverts order with subtle gestures and incorporates errors and oddities into reality through irony, revealing the conditions in which order is undermined. Characterized by a constant performative component, the artistic experience is filtered through forms of self-portraiture. The artist's body is always the missing and elusive protagonist, quoted, filmed, and operated like a device.
The work evokes the importance and cyclical nature of falling and failing in artistic practice. It is in the condition of loss that the artist finds himself. Facing this uncertainty contains the certainty of risk. Suspended between surreal and real dimensions, the artist acts as a passenger traversing the ambiguity of knowledge, destabilising his own role and function. By mirroring the social and human relationships, along with all the craziness, sorrow, nostalgia and irony, La Licata goes beyond simple self-referentiality traversing visual relationships to transform them into new openings.
Da sempre attratto dal mondo dell'invisibile, della magia e delle assurdità della vita quotidiana, La Licata indaga la linea sottile che separa il razionale dall'illogico, il divario tra saggezza e follia.
La pratica di La Licata è interdisciplinare e comprende fotografia, pittura, scultura e opere video. Attraverso questi media, l'artista sovverte l'ordine con gesti sottili e incorpora errori e stranezze nella realtà attraverso l'ironia, rivelando le condizioni in cui l'ordine è minato. Caratterizzata da una costante componente performativa, l'esperienza artistica è filtrata da forme di autoritratto. Il corpo dell'artista è sempre il protagonista mancante e sfuggente, citato, filmato e azionato come un dispositivo.
L'opera evoca l'importanza e la natura ciclica della caduta e del fallimento nella pratica artistica. È nella condizione di perdita che l'artista si trova. Affrontare questa incertezza contiene la certezza del rischio. Sospeso tra dimensione surreale e reale, l'artista agisce come un passeggero che attraversa l'ambiguità della conoscenza, destabilizzando il proprio ruolo e la propria funzione. Facendo da specchio alle relazioni sociali e umane, con tutta la follia, il dolore, la nostalgia e l'ironia, La Licata va oltre la semplice autoreferenzialità attraversando le relazioni visive per trasformarle in nuove aperture.
SHOØT
Curated by Alessandro Pinto
Atelier Am Eck, Duesseldorf, DE, 2019
Text EN/IT
«Don’t you think that they’d believe that the things they were giving names
to were the things they could see passing?»
Plato, Republic, Book 7
Driven by a restless motion along the borders of art, Adriano La Licata's compositions are always distinguished by a performative element. Using various media such as photography, painting, video and collage, he produces a work of art that goes beyond the limits of the respective media. His own body is always the hidden and elusive protagonist of his work: he quotes it, records it and uses it like a device. Like the shadow of Banquo in Macbeth: present but intangible. Just as Plato’s parable of the cave, La Licata forms the shadow from which the real world dissembles, which is alive but distant. Photography could be the means by which to grasp and immortalize his elusive body, yet the palermitan artist prefers to portray himself indirectly, hidden or embedded in the surrounding context of the image. It is like a small, almost imperceptible spot, a point of convergence of the viewer’s gaze, which is forced to focus on the image and to give it a new meaning. In painting he shows his expressive self. But here as well, La Licata is hiding himself behind his arm and throws rubber bands dunked into color that determine the shapes on the canvas. Painting is elaborated using a technique which rather reminds of photography. Elastic motions are converted into quick snapshots. Painting is more visible in the ticket installation, Campiture, although nothing is painted. The artist from Palermo displays his personal travel tickets that he has collected over 10 years. They are presented in chronological order, from the oldest to the latest. The result is a large collage of geometric colored spaces, each color resembling a journey through time and the tickets acting as time machines. In the video work, a deeply personal and extremely lyrical artwork, his body appears again as a shadow onto which falls the soft and horizontal light of the setting sun. His silhouette is part of the room, his body only lives in contrast to the light, but it is a weak light that cannot contrast the darkness and is inexorably defeated by it. As soon as the light is gone, every shape, contour and small movement fades away.
«non pensi che essi chiamerebbero oggetti reali le ombre che vedono?»
Platone, Repubblica, libro VII
Un irrequieto movimento lungo i confini dell’arte caratterizza e influenza le opere di Adriano La Licata che si distinguono per la costante componente performativa. Usando diversi media come fotografia, pittura, video, collage, realizza opere che superano il confine del medium di appartenenza. Il suo corpo, citato, ripreso, azionato come un device, ne è sempre il protagonista mancante e inafferrabile. Come l’ombra di Banquo in Macbeth, presente, ma intangibile. Come nel mito della caverna di Platone, La Licata è l’ombra dietro cui si cela il mondo reale, anch’esso vivo, ma lontano. La fotografia potrebbe essere il mezzo con cui afferrare e immortalare il corpo sfuggente di La Licata, ma l’artista palermitano lo usa per ritrarre se stesso nascosto o assorbito nel contesto ripreso, una macchia piccola, quasi impercettibile, un punto di convergenza dello sguardo del fruitore, che così è costretto a reiterare lo sguardo sull’immagine e darne un nuovo significato. Nella pittura potrebbe rivelarsi il suo io espressivo, ma anche qui La Licata si nasconde dietro l’atto del suo braccio, lanciando degli elastici intrisi di colore che determinano le forme sulla tela. La pittura viene tematizzata in una tecnica che ricorda di più la fotografia, che trasforma i lanci di elastici in veloci scatti fotografici. E’ più presente la pittura nell’installazione Campiture, sebbene di pittorico non vi sia nulla. L’artista palermitano espone i biglietti personali che ha utilizzato da più di 10 anni fino a oggi. Li presenta in ordine cronologico, dal più lontano nel tempo al più recente. Il risultato è un grande collage composto da campiture geometriche di colore, in cui ogni colore è un viaggio nel tempo, e i biglietti una macchina per viaggiare in esso. Nel video, un’opera personale ed estremamente lirica, riappare il suo corpo come ombra su cui si proietta la luce calante, tenue e orizzontale del tramonto. La sua sagoma è parte dello spazio, il suo corpo vivo solo nel contrasto con la luce, ma è una luce debole, che non riesce a contrastare il buio, e da questa viene inesorabilmente sconfitta. Passata la luce ogni forma, ogni contorno e ogni piccolo movimento scompare.
Soglia Bandita
Curated by Rosa Cascone
OltreOreto, rassegna d’arte
e di rigenerazione urbana
Palermo, IT, 2018
Text EN/IT
Soglia Bandita fully investigates the controversy by setting and confusing imposed boundaries. The artist’s body becomes object amongst the objects and also a part of the landscape, providing harmony between the shore’s detritus, abandoned things and his actual presence on the ground. Adriano La Licata lets himself lay down without entering the occupied space but completing it with his presence, erasing strict concepts such as the creation of art, the artist, artifice and nature. The room is locked and it goes by as a illuminated window which faces the street it is located in, while transforming itself it melts and invades the outer space as well. Objects themselves are the result of a melting process of metals wrought by Fonderia Sarro, a Palermitan working foundry with which the artist got in touch and collaborated on the creation of 5 sculptures made out of aluminum and zama, an alloy of zinc. The threshold stays the physical boundary not to cross while it’s conceptually open enough to take a look inside, in- stalling a mutual symbiosis between in and out. On the inside of the room, all the participating realities transform, transcending their usual limit and condition: those objects we are used to use and see in a certain way on a daily basis, now remodel their substance and become made of the same matter of the shore’s rubbish in order to get as outlawed as it is.
Soglia Bandita esplora al massimo la contraddizione ponendo e confondendo i limiti imposti. Il corpo dell’artista diventa oggetto tra gli oggetti e parte del paesaggio creando assonanza tra i detriti della spiaggia, gli oggetti abbandonati e la sua presenza sul posto. Adriano La Licata lascia che lui stesso si adagi e non invada lo spazio occupato, ma lo completi con la sua presenza eliminando il concetto di creazione dell’arte, di artista, artificio e natura. La stanza si presenta chiusa, illuminata di fronte allo scorrere della strada su cui si poggia, passa da uno stato all’altro, anche essa si scioglie ed invade lo spazio. Gli oggetti stessi sono frutto di un intervento di fusione di metalli, realizzato con la Fonderia Sarro, fonderia attiva nel capoluogo siciliano con cui l’artista si è relazionato e ha collaborato per la creazione di 5 sculture in alluminio e zama. La soglia rimane il limite fisico da non superare ma è concettualmente aperta per guardarci dentro creando una simbiosi reciproca tra il dentro e il fuori. Al suo interno tutte le realtà presenti si trasformano superando il loro limite abituale: oggetti che nel quotidiano siamo abituati ad usare e a percepire in un determinato modo, qui cambiano consistenza e sono fatti della stessa materia dei rifiuti e le macerie sulla spiaggia per appartenere così alla medesima realtà bandita.
Entre Dos Aguas
Adriano La Licata and Domenico Palmeri
Curated by DOM art space
DOM art space
Palermo, IT, 2018
Text EN/IT
Entre Dos Aguas is the Adriano La Licata and Domenico Palmeri’s dual exhibition. Both two artists open the expo season of DOM art space, the new space dedicated to contemporary art in the Sicilian capital.
La Licata and Palmeri meditate about the concept of observation as a way to communicate the first and essential mutation of the space and of the shape of the inner self. There’s no limit of in/out. The semiotics threshold becomes a symbiotic game, in which the observant and the observed find themselves in a mystical communion. The extension reveals an altered knowledge, a reinterpretation of unknown objects, a physical manifestation which takes off the cultural meaning, opening to a new and personal ritual extension.
Entre Dos Aguas è la personale in doppio degli artisti Adriano La Licata e Domenico Palmeri. I due artisti aprono la stagione espositiva del nuovo spazio di arte contemporanea, del capoluogo siciliano, DOM art space.
La Licata e Palmeri si ritrovano a meditare intorno al concetto di osservazione come mezzo per la prima ed essenziale mutazione dello spazio e della forma del sé. Si perde il limite del dentro/fuori. La soglia semiotica si assottiglia in un gioco simbiotico in cui osservatore e osservato si scoprono in una comunione mistica. Estensione come conoscenza alterata, reinterpretazione di oggetti conosciuti, manifestazioni corporee che si spogliano del proprio significato culturale aprendosi ad un’ estensione rituale del tutto nuova e personale.
Mimmisota / ALL or the return of the body
Luca Cinquemani
Hey you! That throw these rubber bands to me, you, who play with me, graceful and casual, in the sublime and ephemeral risk of art. You who know how little will remain of all this and of us now that the end of the story is already in the past and we can do very little. You who remind me that the body, despite everything, remains here, the last and only witness that I can oppose, naked and proud, to all the evidences that every day remind me, painfully, of my deaf spectrality. And it is on this body, on this skin that I still have, that I ask you to leave a mark, a random trace, which you will call as you like, mixing your name with distant countries, where perhaps one day we will go back to play.
Mimmisota / ALL o il ritorno del corpo
Luca Cinquemani
Tu che lanci insieme a me questi elastici, tu che giochi con me, leggiadro e disinvolto, nel rischio sublime ed effimero dell’arte. Tu che sai quanto poco rimarrà di tutto questo e di noi ora che la fine della storia è già nel passato e noi possiamo davvero poco. Tu che mi ricordi che il corpo, malgrado tutto, rimane qui, ultimo e solo testimone che posso opporre, nudo e fiero, a tutte le evidenze che ogni giorno mi ricordano, dolorosamente, la mia sorda spettralità. Ed è su questo corpo, su questa pelle che ancora possiedo, che io ti chiedo di lasciare un segno, una traccia casuale, che tu chiamerai come ti pare, mescolando il tuo nome a paesi lontani, dove forse un giorno torneremo a giocare.
In My Defence,
I was Restless
Curated by Giulia Colletti
Project Space 1,
The Art School, 20 Scott St, Glasgow, U.K. 2017
Text EN
In My Defence, I was Restless is the first UK solo exhibition by artist Adriano La Licata (1989, Italy). Conceived as a Bildungsroman, the exhibition focuses on mobility as an essential condition of his artistic process. In My Defence, I was Restless moves from three main considerations, which arise from La Licata’s latest research: vulnerability, loss of identity, and irony. Drawing relation beyond locations, while spotting an inescapable need of subverting daily-life platitudes, Adriano La Licata incorporates mistakes and oddities into reality. In My Defence, I Was Restless feeds into contemporary debate about strengths and weaknesses of cultural mobility, disclosing an intimate uprising against the modern acceleration.
In an era marked by a restless tendency, being local does not fit either the idea of belonging to a place or coming from it. It rather deals with restrictions, rituals, and relationships. It means having an enhanced awareness of displacement. As Michel Foucault claims, “we are in the epoch of simultaneity: we are in the epoch of juxtaposition, the epoch of the near and far, of the side-by-side, of the dispersed.” Our experience of the world resides on perceiving while we are moving, dismantling the conceit of being based in. The exhibition In My Defence, I Was Restless, attempts to investigate this notion of mobility and relocation behind La Licata’s artworks, to explore the lack of belongingness and the idea of collecting to track existence. Beyond the notion of locality, it addresses artist’s resilience in adopting creativity to cope with uncertainty. Being local means not only approaching a new ethos, but also facing mechanism of precariousness due to incessant relocation.
In My Defence, I was Restless discloses an enhanced status of being local, where artworks inhabit the third dimension of ‘in-between’. Observer and observed finally establish a new interaction.
From the Palms of My Hands
Curated by George Korsmit
Text by Jack Segbars
CLUB SOLO
Breda, NL, 2016
Text EN
The Western conceptual space of thinking, its general mode of constructing its cosmology, is still deeply rational, stemming from that pivotal historic time of the Enlightenment. Along with the Enlightenment came an epistemological mode of being in the world that led to a dualism of being defined by the division of the experiential and the rational. Formerly more unified, they are now our differentiated modes of encounter with the world. It is in this space of contestation that artists have found their focal point of work. Adriano La Licata is one of these exemplary artists who try to bridge this gap in our existence, or who at least stamp on that bridge to test its sturdiness. And even if it were to break, it would be to the enjoyment of the artist, who would happily see it succumb under his footsteps. To confront this uncertainty contains the certainty of risk. La Licata is looking for a different kind of enlightenment.
In quantum mechanics the state of superposition entails the state of things being positive and negative at the same time, of encompassing both possibilities simultaneously. Only at the moment of detection is one of the choices made. This miraculous effect will enable future computing based on this property to be exponentially faster than ordinary computers. It resonates with La Licata’s way of looking at things. If potential is not limited to a sequential and causal process but can spread out exponentially, then this is a space that can generate a myriad of outcomes. This is how a photograph that has captured two times on one surface is possible and makes sense. The artist acts as the passenger traversing uncertainty of knowing, by destabilizing its own role and function. Thus he traverses known relations in order to turn these into new openings.
ALL
Curated by Francesco De Grandi and VHS
Text by Francesco De Grandi
Von Holden Studio
Palermo, IT, 2015
Text EN/IT
"Fools had ne'er less wit in a year;
For wise men are grown foppish,
They know not how their wits to wear,
Their manners are so apish."
William Shakespeare, Re Lear.
Adriano La Licata amuses his audience in order to unmask the reality behind the appearance or the madness within the wisdom. He makes use of the ironic form in its original function, which is to subvert the order and reveal the deceptions. At the same time he finds a personal, intimate and genuine way to deal with absolute subjects: the relationship with the sacred, with the ritual and the consciousness of the self. He confronts these aspects, examines them with small gestures, fragile displacements of sense, identifying domestic synchronicities. He is convinced that everything is connected, all is One and therefore, wherever he places his gaze on, he will find answer to his questions. Meditations on broomsticks, devices that find love after years of celibacy, because tools that can no longer clean the floor are not useless. they clean themselves, they meditate and masturbate, they lose their function and, with an ironic syllogism, with a calming smile on their lips, a gesture that is the characteristic style of Adriano's work, they become three Yogis in the lotus posture with bursting erections.
The artist seeks an anarchist, autobiographical, ironic, tragicomic but never desecrating sacredness. He tells us how he's going through the world, his meditation practice, his travel and rites linked to his personal experience of consciousness. La Licata introduces us to a very intense work, almost a Psychomagic act. So a DIA slide taken from the family drawer triggers a series of connections between itself and the way in which mechanically it is reproduced and revealed to our eyes, between the represented subject and the surface on which it is projected. The artist becomes the shoulder of his mother, he takes care of himself, to be father and to stop being son, but to be able sharpen and therefore find himself, he must play with his shadow, he must accept the ambivalence of the human soul. Naked, in the cold, warmed only by the light of the projector (the warmth of the womb) he will have to survive in the night. A self-inflicted rite of initiation, the little Adriano looks outside the image with consciousness, looks at himself in a cyclic time which is rejoining itself.
Adriano does not always succeed in his intent, sometimes rites of passage fail miserably. There is a Corner that he still can not overtake, he bumps against it, over and over every year. Adriano goes always back to it, every winter, every summer, every new season, each cycle of life he turns the corner, he finds a wall and slams against it, it hurts, then he smiles, composes himself and starts again. So he decides to make a monument to this almost paranoid gesture, this constant return to the same place. He decides to humanize it until he thinks that a corner is a friend to visit. We do not know if the imprint on this seemingly solid (but actually fragile) wall is the sign of the impact of Adriano, like Wile Coyote, or if it is an attempt to humanize a wall, or even a metaphorical self-portrait. Or perhaps the three together.
It remains this strange sense of a light and sweet work, so pure it can reach the innocence, but intense and sincere at the same time.
“Non ebbero già mai scarogna
Quanto quest'anno – i matti -,
Ché i savi si son fatti
Sciocchi balocchi per loro danno:
Non sapendo più che si fare
Degli scarsi loro cervelli
Si illudono di farsi belli
Mettendosi a scimmieggiare"
William Shakespeare, Re Lear
Adriano La Licata diverte per smascherare la realtà nascosta dietro l'apparenza o la vera follia insita nella saggezza. Trova nella forma ironica la sua funzione originaria, quella di avere il compito di sovvertire l'ordine e di rivelare gli inganni. Nello stesso tempo trova una strada personale, intima e genuina per affrontare temi assoluti: il rapporto col sacro, col rito e la conoscenza di se. Li affronta, li esamina con piccoli gesti, spostamenti di senso fragili, individuando sincronicità domestiche. Egli è convinto che ogni cosa è collegata, che tutto è Uno e che quindi ovunque si posi il suo sguardo troverà risposta alle sue domande. Meditazioni su manici di scopa, dispositivi che dopo anni di celibato trovano l'amore, perché i suoi attrezzi che non possono più pulire il pavimento non sono inutili, puliscono se stessi, meditano e si masturbano, perdono la loro funzione e con un sillogismo ironico, con un sorriso pacificante sulle labbra, con un gesto che è la cifra caratteristica del lavoro di Adriano, diventano tre Yogi in posizione del loto con delle prorompenti erezioni.
L'artista ricerca una sacralità anarchica, autobiografica, ironica, tragicomica ma mai dissacrante. Ci parla di come sta attraversando il mondo, della sua pratica meditativa, del viaggio e dei riti connessi alla sua personale esperienza della conoscenza. La Licata ci pone di fronte un lavoro molto intenso, quasi un atto Psicomagico. Così una diapositiva presa dal cassetto di famiglia innesca una serie di connessioni tra se stessa e il modo con cui meccanicamente si riproduce e si rivela ai nostri occhi, tra il soggetto rappresentato e la superficie su cui si proietta. L'artista diventa la spalla della madre, si prende cura di se stesso per essere padre e smettere di essere figlio, ma per riuscire a mettersi a fuoco e quindi trovarsi deve giocare con la sua ombra, deve accettare l'ambivalenza dell'animo umano. Nudo, al freddo, scaldato soltanto dalla luce del proiettore (il calore del seno materno) dovrà sopravvivere alla notte. Un rito di iniziazione auto-inflitto, il piccolo Adriano guarda con piglio consapevole al di fuori dell'immagine, guarda se stesso in un tempo ciclico che si ricongiunge.
Non sempre Adriano riesce nel suo intento, a volte i rituali di passaggio falliscono miseramente. C'è un Corner che ancora non riesce a superare, ci sbatte e ci risbatte ogni anno. Adriano vi ritorna sempre, ogni inverno, ogni estate, ogni nuova stagione, ogni ciclo della vita gira l'angolo, trova un muro e ci sbatte, si fa male, sorride, si ricompone e ricomincia. Allora decide di fare un monumento a questo gesto quasi paranoico, di ritornare sempre in un luogo, umanizzarlo al punto da pensare che un angolo di muro sia un amico da andare a trovare. Non sappiamo se l'impronta su questo muro apparentemente solido ma in realtà fragilissimo è il segno dell'impatto di Adriano come Willy il coyote, o il tentativo di umanizzazione di un muro, oppure un autoritratto metaforico. O magari tutti e tre:
Rimane questo senso strano, di un lavoro leggero, soave, così puro da sfiorare l'ingenuità, ma al tempo stesso profondo e vero.